Mais ici, la berceuse n’est pas qu’un chant d’apaisement. Elle devient un chant d’abandon.
Joël Andrianomearisoa détourne la douceur du refrain pour en révéler la déchirure sous-jacente : celle du départ, du renoncement, de l’effacement progressif de l’autre.
À travers une mise en scène abstraite, il capture les vestiges de la présence – le souvenir de la première rencontre, la lente intrusion du silence jusqu’à l’abdication des corps.

Le rythme obsessionnel de la berceuse devient dans ce film une matière vivante, un battement entre le deuil et l’espérance. Dans cette oscillation entre le personnel et l’universel, le film ne se contente pas d’être un récit : il devient un espace, un seuil où l’abandon se fait murmure, où l’absence s’écrit en image, où le chant persiste, suspendu dans le temps.

De ce sentiment d’abandon, Joël Andrianomearisoa révèle également d’autres formes et langages esthétiques dans cette exposition à travers d’autres installations, dont quelques travaux qui explorent l’accumulation et la répétition dans une tentative de fixer la mémoire et d’interroger l’oubli.

D’abord cette série de vitrines qui abritent des bougies vacillantes, consumant lentement leur propre lumière. La cire fond, se fige, s’accumule au creux du verre, laissant derrière elle des empreintes silencieuses du temps qui s’efface. Une présence fragile, une mémoire en devenir.

Cette scène n’est pas sans rappeler un paysage familier, celui des rues de la capitale à la tombée de la nuit. Ces échoppes de fortune éphémères où la lueur discrète des bougies éclaire les étals des vendeurs ambulants. Une lumière fugace qui accompagne les passants rentrant chez eux ou les noctambules s’abandonnant à la nuit.
Inspirée de l’art minimal** – un courant artistique porté par des artistes majeurs tels que Donald Judd (1928-1994) qui est connu pour ses sculptures géométriques en métal et plexiglas – cette installation de Joël Andrianomearisoa réinvente à sa façon un rituel quotidien et l’élève au rang de la poésie.

Puis cette installation de quatre cents plaques d’aluminium qui se dresse telle une constellation de mémoires. Évoquant des plaques commémoratives, elles inscrivent dans le métal l’écho d’une présence, le poids d’un souvenir figé dans la matière. A travers cette pièce faisant échos à des travaux antérieurs actuellement exposés à la Fondation Zinsou au Benin – La Promesse de la Terre qui est une accumulation des plaques de terre et Le Miroir de la Terre, une autre accumulation de plaques de mica – Joël Andrianomearisoa rend tangible à travers la matière le témoignage du temps qui suit la séparation, pour que l’empreinte du passé demeure et que la mémoire ne sombre pas dans l’oubli.

Dans cette même quête de préservation des traces, l’artiste prolonge le geste en disséminant dans l’espace d’exposition les empreintes de sa propre main. Sur des toiles imprégnées d’huile noire, il laisse une marque à la fois intime et universelle, un dialogue silencieux entre la présence et l’effacement, entre le corps et la mémoire, entre ce qui demeure et ce qui échappe.

Enfin, Hakanto Contemporary fermera définitivement son premier site d’exposition, à la Gallery Alhambra Ankadimbahoaka, après cinq ans d’activités et de programmation avec cette exposition de Joël Andrianomearisoa. L’artiste marque ainsi ce dernier chapitre, un ultime geste hautement symbolique dans lequel il insuffle une dernière résonance, une empreinte avant le silence, prolongeant ainsi l’histoire de ce lieu fondateur et historique qui avait été le témoin de tant de créations et de dialogues.

Rina Ralay-Ranaivo, mars 2025

* Measures Lullabies and Whispers avait été la première exposition personnelle de Joël Andrianomearisoa en Allemagne. Réalisée en 2024 et commissionnée par l’IFA Gallery, elle avait été sous le commissariat de Alya Sebti et Meriem Berrada.

** L’art minimal ou le minimalisme est un courant artistique apparu dans les années 1960 aux États-Unis qui se caractérise entre autres par le recours aux formes simples et géométriques, souvent répétées en série, créant un effet de rythme et de régularité.

C’est autour de cette idée engagée sur le terrain de jeu de tous les possibles que Joël Andrianomearisoa a choisi de placer ce nouveau corpus de travail qu’il présente dans Tokotany, sa cinquième exposition personnelle à la galerie Primo Marella Milan. Des inspirations profondément malgaches qui s’accompagnent des mots du Monde. Un projet qui rend hommage à toutes les premières fois – sous toutes les formes acquises – et qui ne jure que par la découverte. Des gestes qui s’apparentent à la certitude mais toujours sous la tension permanente de l’expérimentation.

Dans son approche, l’artiste a choisi, les mots, le textile et des textiles, l’huile et le métal pour retranscrire des narrations inspirées par ce terrain de jeu, Tokotany. Nous sommes ici face à ses médiums de prédilection – faisant partie de
son langage artistique – soigneusement recomposés à travers ce nouvel opus à l’occasion de cette nouvelle exposition.
Dès l’entrée, ses mots en langue malgache sont présents avec son graphisme assumé, noir et tranché. Un manifeste pour invoquer Madagascar, son terrain de jeu de sang mais surtout pour fabriquer à partir de cette affirmation identitaire d’autres imaginaires au-delà des frontières … tous les possibles. Le plan se poursuit avec un grand nouveau chapitre textile, Le terrain
de jeu de tous les possibles, acte central de l’exposition. C’est dans ce chapitre que Joël Andrianomearisoa réinvente l’espace, questionne l’autre et nous livre sa vision du terrain de jeu idéal. Là il insiste sur la notion de toutes les possibilités sans genres, sans limites et sans fin.

D’une part une impressionnante installation composée de vingt textiles grèges qui sont envahies par des lignes d’huile noire. Des traits, des écritures et des ratures nerveuses sur la toile. Un tableau de bord démesuré qui rappelle vaguement une manière élémentaire de comptabiliser les points gagnés lors d’un jeu. Sur cessurfaces, Joël Andrianomearisoa y posent ses mémoires, ses peines, ses affirmations et tous ses espoirs. Les espoirs pour arriver à construire ce terrain de jeu idéal de tous les possibles. À noter que cette installation a été produite et montrée en 2024 au HKW / Haus Kulturen der Welt à Berlin dans le cadre de leur saison Ballet of Masses. D’autre part des pièces textiles imposantes aux teintes naturelles de
lin parfois tranchées par des nuits de noir. Une chromie qui fait référence aux conditions matérielles du Tokotany, un environnement habituellement poussiéreux car il est souvent constitué d’une surface en terre battue. Des oeuvres qui sont volontairement répétitives tant dans leur construction que dans leur présentation. Les lames d’étoffes brunes et noires qui filent et défilent sans fin, ici pour ne jamais en démordre, ici pour persister, ici pour s’obstiner sur l’importance d’un
terrain de jeux dans notre société. Ici, Joël Andrianomearisoa insiste avec la force et la grandeur de sa matière sur sa vision d’un monde ouvert à tous les désirs et toutes les convictions.

La conclusion de l’exposition se fait avec des mots, cette phrase poétique de Joël Andrianomearisoa gravée dans le métal.
Ici nous sommes face à une stèle où il est question non seulement d’architecture, de par la forme comme si cette sculpture était une maquette de monument à poser sur des terrains … de jeu, mais aussi de poésie et d’émotions
avec cette ouverture et universalité à travers ce choix affirmé de l’anglais comme langue d’expression.
Dans une association de mots et de matières, sur une note d’architecture et à partir d’une tentative picturale, Joël Andrianomearisoa qui navigue entre pensée poétique et pensée radicale, marque sans équivoque les tensions émotionnelles des récits du terrain de jeu des tous les possibles … des émotions qu’il tente de matérialiser et de faire exister dans l’incertitude de notre réalité.

Rina Ralay-Ranaivo, février 2025.

La Vague Affection . Un Été au Havre . 2024
Joël Andrianomearisoa

Graphic design : Studio Joël Andrianomearisoa

Pour cette exposition, Joël Andrianomearisoa propose un rythme spatial alternatif en créant un nouveau chemin à travers la galerie. Les visiteurs sont accueillis par des mots, rappelant la berceuse de son enfance, portées par un mur monumental qui perturbe l’espace. L’utilisation de la poésie et de l’architecture par Andrianomearisoa crée un nouveau parcours — ce qui peut sembler évident est bien plus complexe et ambigu dans ce nouvel espace, caché derrière le mur. Au-delà des langages, les visiteurs se perdent dans les méandres d’une installation de papier noir abyssal, emblématique de sa pratique. Évoquant
THE LABYRINTH OF PASSIONS présenté à la Biennale de Venise en 2019, l’installation est à la fois dense et fragile et contamine l’espace, résonnant avec l’ambivalence de la mélodie.

Joël Andrianomearisoa poursuit son exploration poétique avec une technique malgache traditionnelle de broderie sur tissu. MANIFESTE D’UNE RUPTURE, qu’il a créé en collaboration avec des artisans de sa ville natale, Antananarivo, repousse les limites techniques de la broderie en intégrant le raphia, une fibre végétale emblématique de Madagascar. Dans ce chromatisme minimaliste, presque ton sur ton, la lecture des mots brodés est presque impossible. Les gestes ancestraux deviennent des formes de narration.

Le rythme envoûtant de la berceuse, bande sonore de l’exposition, attire les visiteurs vers le fond de la salle, dévoilant une installation vidéo. PLEASE SING ME MY SONG BEFORE YOU GO tisse des processus d’écriture, sur le matériau, le texte et l’architecture dans une imagerie qui brouille le cadre du temps et de l’espace de la narration.

Cette exposition, organisée par Meriem Berrada et Alya Sebti, fait partie de la plateforme Untie to Tie à l’ifa Gallery Berlin. Le projet transdisciplinaire Untie to Tie, qui a débuté en 2017, est une plateforme d’exposition et de recherche sur les structures coloniales dans les sociétés contemporaines.

Chaque espace apparaît comme un territoire d’investigation des nouvelles façons d’aborder le tableau à travers les nombreuses manières de travailler le textile avec la main. Coupé et cousu, filé et tissé, noué ou brodé, celui-ci devient le fil conducteur de l’exposition, tel un liant qui unit une salle à l’autre. Comme autant de réflexions, de travaux sur la mémoire, sur la main, ces matériaux sont collés les uns aux autres, transformés pour raconter des histoires nouvelles. En manipulant le textile autant que les mots, l’artiste imagine ici d’autres possibles, des choses et quelque chose à retenir avant le lever du jour, comme le suggère avec poésie le titre, dont l’imaginaire laisse supposer un entrelacement de songes, une fois la nuit tombée.

Telles des partitions sonores qui viennent ponctuer l’espace d’une nouvelle énergie, de grands rideaux tableaux redessinent les salles de la galerie. Ces parois souples proposent une nouvelle cartographie de l’espace, déployant des circulations et perceptions autres. Composés de bandes de textiles différents, mélangés, devenus des tableaux abstraits aux multiples strates, à l’image d’un collage, ces éléments suspendus viennent imbiber l’espace d’exposition d’une dimension sensorielle et font voyager d’un monde à un autre, comme des sas pour de nouvelles entrées. Presque proustiens, ces rideaux portent autant de souvenirs, de mémoires d’une sensorialité qui rappelle d’autres scénarios, des échos lointains. La matière parle ainsi dans l’ombre d’elle-même, dans son propre silence.

Rien ne se donne à lire immédiatement, les œuvres se découvrent en passant par et à travers ces tissus. Joël Andrianomearisoa fait de l’espace d’exposition son propre labyrinthe, son laboratoire formel pour traduire une pluralité et complexité inhérentes à chacun et au monde qui nous entoure.

Délicats, bifaces, ces tableaux rideaux racontent une fragilité, une vulnérabilité de l’expérience humaine, tout comme toutes les strates de pensée, de sentiments, souvent contradictoires. Ces deux faces, à l’image de la diversité des œuvres de l’exposition et de toute la polyphonie qui les compose, sont une allusion poétique à la pluralité de l’être et des émotions, à leurs tonalités multiples. Entre deux temporalités, deux romanticismes, deux sentimentalités, Joël Andrianomearisoa joue avec une poésie de la dualité. Things and Something to Remember Before Daylight donne à voir ces états d’entre-deux, faisant de la galerie un espace liminal où deux réalités peuvent cohabiter, celles du rêve et du réel, du jour et de la nuit, celles du temps et des espaces pluriels, presque indicibles.

Fabriquées à Madagascar, en Tunisie, en Belgique ou encore en France, les œuvres voyagent constamment entre les mondes, entre les langues, passant naturellement du français, au malgache, à l’anglais. A la lisière des mondes, Joël Andrianomearisoa ne cesse de croiser les territoires, les savoir-faire, les espaces interstitielles, les voix diverses qui construisent le quotidien.

Rythmée par le titre de l’exposition, la grande salle accueille les murmures de Camelia Jordana, deux néons, « Things » et « Something », dont l’ambiguïté suggèrent une poésie ouverte, comme des indices, des suggestions de sens cachés. Six grands tableaux dans la même veine que de la série Les Herbes folles du vieux logis, dont le titre est un hommage au poète malgache Maurice Ramarozaka (1931-2010), recrée des paysages imaginaires. Dans une prochaine salle, des tapisseries d’Aubusson monochromes, cette fois tissées, sont présentées et, cachés derrière un rideau dans une petite pièce, des textes brodés sont distribués dans l’espace de manière sporadique. Des sculptures minimales faites de fibres végétales envahissent l’espace. La matière devient comme le dessin ré-agencé d’une nouvelle histoire, apparaissant comme des registres, des supports de texte. Enfouis dans ces nœuds, mis dans l’ombre, les mots sont comme un mystère à découvrir.

Pour finir, comme à son habitude, en faisant coïncider deux niveaux, Joël Andrianomearisoa fait rentrer l’art dans la réalité avec ses objets éditions qui rendent l’exposition virale. Sont présentés sur des étagères blanches autant d’objets usuels pour la maison, à apporter chez soi ou à porter sur son corps, à offrir, à perdre… qui viennent ainsi habiter le quotidien de ceux qui les ont pris, comme une extension possible du temps de l’exposition.

Tel un slogan ou encore un statement poétique, Things and Something to Remember Before Daylight peut se lire de plusieurs manières, comme un espace à multiples entrées, sans début ni fin. En changeant audacieusement le sens de lecture, Joël Andrianomearisoa encourage le spectateur à se perdre dans les méandres de ses tableaux, de ses mots, à rentrer dans les mystères d’un lever du soleil approchant, aux heures suspendues de la nuit quand tout n’est que songe, rêverie et sentimentalité.

Jérôme Sans